Exhibitions

Victoria Miro Gallery - Photography 2005

I advise everyone to go and see this exhibition, it's on until the 12th of february 2005. Idris Khan's photographs are innovative. He "creates multi-layered photographs, often of appropriated art and books, in a way that both augments the aura of the original and reveals the idiosyncratic trace of his own hand. Khan's work explores the history of photography and literature, the beauty of repetition and the anxieties of authorship." His series is entitled "every...". On each photograph he has superimposed every pictures of works from other artists: every Turner postcard, every berndt and hilla Becher, every partitions from a certain music composer (I think it's beethoven, but can't be sure).
Another photographer is Stephen Gill whose documentary photographs, covering everyday events so "normal" that they often go unnoticed. His series "invisible", shows us workers in the street wearing high-visibility clothing. His assumption is that although the function of their flashy piece of clothing is to make them more visible, they often tend to disappear from view because, paradoxically, they are wearing these. As usual, the work contains a certain humour, which often caracterizes Gill's photography. Gill himself says that he has been wearing such high-visibility clothing when he wanted to go and photograph un-noticed.
Bettina von Zwehl's photographs are portraits of young women. Very formal in their presentation, they bring a questionning of the sitter's psychologic state of mind. All the girls are looking down, as if they felt guilty of something.
Dan Holdsworth's work is almost abstract. He is interested in "sensory deprivation" and this series, thus, is about the absence of sound, as he photographed industrial accoustic chambers.
Florian Maier-Aichen's photograph's are large format landscapes. They appear "surreal". He has spent hours in the dark-room to achieve a result close to perfection, with minute details.
Brandon Lattu creates a space out of advertising signs and billboards. He cut out hundreds of negatives. The result is large photographs, with flashy signs on a black background.

Whitechapel Art Gallery - Faces in the Crowd

"Taking Edouard Manet and key post-Impressionist masters as its starting point, Faces in the Crowd traces the story of modern art through representations of the individual and society.
The exhibition’s title is taken from a one-image poem by Ezra Pound: ‘The apparition of these faces in the crowd; petals on a wet, black bough’, inspired by a journey on the Paris Metro in 1913. It gives a powerful evocation of the individual immersed within the modern metropolis. Moving through modern masters such as Max Beckmann, Francis Bacon and Jeff Wall, Faces in the Crowd maps social and individual relationships through a history of avant garde figuration.
Transformations of the city through architecture and technology created public spaces of leisure and spectacle, which are explored in the works of Eugene Atget, Walter Sickert and Henri de Toulouse- Lautrec. The reduction of private identities to social type became the defining work of August Sander, while in more recent years Cindy Sherman has used different guises and identities to reinvent a sense of self.
Artists such as Umberto Boccioni, Edvard Munch and Andy Warhol have used the figure to express sensations of speed, alienation or celebrity in modern life. Work on show by Eve Arnold, Robert Capa and Andreas Gursky documents the epic and the everyday. Whereas for artists including Alexander Rodchenko, Joseph Beuys and Chris Ofili, the figure becomes an agent of social change – revolutionary, transgressive or symbolic.
Including painting, sculpture, photography and the moving image, this major art historical survey traces a story of modernism through its defining artists.
Featuring Acconci, Ackerman, Alÿs, Arnold, Atget, Bacon, Balkenhol, Beckmann, Bellows, Beuys, Boccioni, Boltanski,Bomberg, Brassäi, Broodthaers, Buckingham, Burri, Cahun, Capa, Calle, Carrà, Cardiff & Bures-Miller, Cartier-Bresson, Deacon & Fraser, Deller, DiCorcia, Dittborn, Doherty, Song Dong, Dubuffet, Duchamp, Durant, Ensor, Export, Evans, Fast, Giacomelli, Gilbert & George, Goldblatt, Goldin, Gordon, Grosz, Gupta, Gursky, Guston, Guzman, Hamilton, Heartfield, Hopper, Huyghe, Jonas, Katz, Keita, Kentridge, Kirchner, Klucis, Kollwitz, Leckey, Léger, Levitt, Magritte, Manet, Man Ray, McCarthy, McQueen, Modotti, Munch, Muñoz, Nauman, Ofili, Paolozzi, Pfeiffer, Picasso, Piper, Pistoletto, Prince, Richter, Rodchenko, Sala, Sander, Schad, Schütte, Sherman, Schneemann, Segal, Sickert, Sidibé, Singh, Strand & Sheeler, Toulouse-Lautrec, Vertov, Wall, Warhol, Wearing, Weegee, Wikström, Winogrand, Yeats.
Organised by the Whitechapel Gallery, London and Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin"
The exhibition is on until the 6th of march 2005. The works that have been put together are impressive in standards. Personally, I was happy to see Sophie Calle's Suite Vénitienne, which had had only seen in book form. Allow a few hours for the whole viewing.

Whitecube - Mika Kato (b.1975) and Masoko Ando (b.1976) and Martin Kobe...
21.01.05 - 19.02.05

Interesting set of paintings from two young japanese artists. Kato's portraits of young girls are strange, disturbing. They look like dolls, in the manga style, with an impressive rendering of the eyes. The canvas are sometimes round which, associated with the distorted faces, give the impression of looking through a fish-eye. Ando's drawings and painting seem traditional and are extremely precise. They feature young girls with motherly attitudes and animals. I loved the perverse eyes of some of the birds he drew. His paintings' atmosphere is lyrical and fairy tale like.
Inside the White Cube (ie upstairs) is exhibited the work of Martin Kobe, a german artist whose paintings depict strange "virtual" architectural spaces. I thought they looked a bit like the halls of the Barbican Arts Centre... I wasn't enthralled by his work, I have to say, and for all I know they could have kept Sam Taylor Wood's photographs for longer... You won't stay upstairs too long, I think.

For Ken Lum:

"The mirror is an utopia as much as it is a place without a place. In the mirror I see myself where I am not: in an unreal space which appears virtually behind the surface; I am there where I am not, a kind of shadow that endows me with my own visibility, shows me where I am absent. But the mirror sends me back to the place I am actually occupying; from the mirror I discover myself to be absent in the place where I am, as I see myself there".

Raymond Depardon

En quarante ans de carrière, l'auteur a souvent mêlé, en photographie comme au cinéma, souci documentaire et préoccupations intimes. Il vient de tourner le deuxième volet de son film sur le monde rural.

Il a passé l'année 2004 en trombe : six nouveaux livres, deux expositions, un film en salles. Sans compter la sortie en DVD de six de ses précédents documentaires. Déjà difficilement classable - il brasse du texte, de la photographie et du cinéma, passe de la fiction au reportage -, Raymond Depardon est devenu une usine à produire des images.

On le croit à Rio ou à Tokyo, il est à Paris mais repart bientôt sur les routes de France. Il s'apprête également à présenter, début 2005, le deuxième volet de son film sur le monde rural. Bien sûr, cet éclectisme n'est qu'apparent. On retrouve toujours chez lui les mêmes obsessions : la lumière, la justice, l'errance, les déserts, la peur de l'enfermement, la politique saisie et bousculée par l'image.

Après quarante ans de métier, sa curiosité semble intacte. Elle a été aiguisée par sa formation : photojournaliste dès l'âge de 17 ans, fondateur puis directeur de l'agence Gamma et, enfin, coopté par ses confrères de l'agence Magnum. De son origine paysanne, il a gardé la fascination et un certain refus de la ville, une timidité qu'il dissimule sous des sourires aimables et des flots de parole. Un coup d'œil incisif porté sur les gens et aussi une sorte de roublardise. C'est avant tout un solitaire, un instinctif, un sensitif qui, dans le domaine de la création, privilégie l'émotion plutôt que l'intelligence. Ce qui le range du côté de Proust, contre Sainte-Beuve.

Cela ne suffit pas à expliquer cette boulimie, cet activisme forcené. Pourquoi tant de livres d'un coup ? "Il ne s'agit pas de recycler de vieilles images. Mais je fais partie de cette génération qui a plus de quarante ans d'expérience. A l'époque, on ne bouclait pas un projet, on le mettait de côté, jusqu'à la rétrospective - toujours différée. Aujourd'hui, les photographes veulent aller jusqu'au bout, explorer toutes les possibilités de leur travail, jusqu'à l'exposition et au livre. Dans mon cas, j'avais accumulé du retard, des travaux parallèles s'étaient croisés avec d'autres activités. En 2004, j'ai fait le ménage. Maintenant j'ai l'impression de n'avoir plus rien derrière moi. Cela me rend plus libre pour avancer à nouveau."

Avancer, cela veut dire répondre à la commande. Car le gros volume Paris Journal, qui vient de sortir, est né d'une proposition des éditions Hazan ; c'est la Fondation Cartier qui l'a expédié filmer des villes aux quatre coins du monde pour les besoins de l'exposition "7 ? 3", présentée boulevard Raspail ; et c'est le ministère de la culture qui le relance, début 2005, sur les routes de France. "Les trois quarts de mes travaux sont issus de commandes, admet Raymond Depardon. Elles ont l'avantage de me sortir de moi, de bousculer mes priorités, de me faire découvrir des choses nouvelles, de m'éviter les idées préconçues, de me replonger dans le réel, de pouvoir rester aux aguets. Même la publicité m'a appris à travailler. D'ailleurs, j'ai du mal à boucler les sujets qui me sont personnels et qui n'existent qu'à l'état de fragments - les paysans, les déserts. S'ils étaient achevés, j'aurais l'impression d'être mort. Finalement, seule la pression économique de la production cinématographique m'oblige à terminer mes films."

Comment passer de l'image fixe au cinéma ? "Il y a un côté un peu schizophrène - pas désagréable - dans ce va-et vient. Passer d'un sujet à l'autre, d'une forme à l'autre, me permet de relativiser les choses. D'ailleurs, je n'ai jamais vraiment choisi. J'ai longtemps été un photographe professionnel et un cinéaste ponctuel." Si le cinéma semble avoir aujourd'hui sa préférence, Raymond Depardon considère pourtant qu'Errance (Le Seuil, 2000), texte et photos, marque pour lui une vraie coupure. Notes (Arfuyen, 1979), où il avait introduit la subjectivité du photographe, et La Ferme du Garet(Carré/Actes Sud, 1996), une sorte d'autobiographie, ont également été des tournants. Mais, avec Errance, il a simplifié, dépouillé à l'extrême son propos, évacué l'anecdote.


ÊTRE "SIMPLE ET LISIBLE"


"Je suis assez primaire, assez naïf. J'ai besoin de comprendre ce que je vois. Je travaille toujours au premier degré - l'image et le son sont tellement complexes, tellement riches. Même si je suis sensible à l'élégance des choses, j'estime que la photographie doit être simple, lisible. Mon seul but est de mettre de l'ordre dans le réel. Et l'expérience me permet d'y arriver. Aujourd'hui, je travaille de plus en plus vite et je fais confiance à la rapidité de mon regard. Car la photo, ce n'est pas parler aux gens, c'est quelque chose d'instinctif. Avant de déclencher, l'image est déjà fabriquée dans ma tête. Pour moi, la nouveauté, c'est que je peux faire de petits films de quelques minutes, de petits visuels sans commentaires et des photos au 20 ? 25 qui diront qui je suis."

Pour cet ancien paparazzi, ce ne sont plus les prémices de la chasse qui comptent. "Dans les photos, je me méfie de l'événement, et dans les films, de l'intrigue." Seule l'image compte : "Quand on est dans le Sahel, ce n'est pas notre trouble, notre colère qui est importante, c'est l'image qui apparaît : elle vient contredire notre première impression. Car il y a un décalage entre ce qu'on ressent immédiatement et le résultat."

Raymond Depardon poursuit sa carrière en solo, refusant même d'enseigner. Aujourd'hui, la soixantaine dépassée, il s'approche de l'ère des bilans : "Je m'aperçois que j'ai encore beaucoup de choses à faire. Retourner sur des lieux que j'ai fréquentés, cela me permet de me confronter avec le temps. En 1984, j'avais été fasciné par la ville d'Harar, en Ethiopie. Elle était pour moi la synthèse de l'Orient. Je l'avais photographiée avec un Leica. J'y suis revenu dix ans plus tard avec le même éblouissement. Mon retour ici, en 2004, a été très différent. J'avais un autre appareil et j'étais moins dans l'orientalisme. Ce sont les traces de la modernité urbaine qui m'ont intéressé. Cela m'a réconforté : j'avais avancé dans ma quête du lieu acceptable."

On a souvent reproché au photographe de mêler ses soucis intimes à ses reportages. "Pour regarder les autres, il faut tourner la caméra vers soi-même. J'ai suffisamment dit qui j'étais pour pouvoir filmer les autres." Il se dégage de ses propos une sorte de mélancolie voilée : "Je suis parti pour photographier le général de Gaulle, Brigitte Bardot, et j'ai raté mon père. Mais ce détour m'a permis de filmer le monde rural, que tout le monde disait disparu. Ma trilogie entamée avec Profils paysans n'est pas un document critique, c'est sûr. Je veux seulement saisir ce monde qui va basculer dans l'oubli, rendre un dernier hommage à mes parents paysans. Ici, je ne suis plus cinéaste. Quand je filme sans éclairage, avec juste un preneur de son, je travaille presque avec un sentiment de honte de ne pas avoir été paysan, de faire un métier pas très sérieux. En réalité, je réalise une sorte d'autoportrait de ce que j'aurais pu être."

Emmanuel de Roux

"La photographie est autonome"

"Je reste formaté par mon passé de journaliste. Pourtant, j'ai fini par comprendre que la photographie ne relève ni du journalisme ni de l'art. Elle est autonome. Même si, selon les époques et les intérêts de chacun, elle est tiraillée entre l'un et l'autre. Bien sûr, il est facile de distinguer photo de presse et photo d'art, bien sûr un photographe peut faire du journalisme. Il ne sera pas journaliste pour autant.

Il est vrai, en revanche, que le photographe est proche de l'artiste, par son côté angoissé, anxiogène : il accouche d'un seul coup de quelque chose qui va le représenter. J'ai d'ailleurs beaucoup appris du milieu de l'art. Grâce à lui, mon travail a pris un autre sens, cela m'a libéré. Les cimaises me font encore un peu peur. Je préfère l'intimité d'un livre ou celle de la projection d'un film dans l'obscurité. Ainsi, j'ai l'impression de diriger le spectateur, d'avoir du pouvoir sur lui.

On dit qu'il est plus facile de filmer que de photographier, qu'il suffit de faire tourner la pellicule. Pourtant, même des scènes statiques dans un tribunal, celles de 10e Chambre par exemple, sont très difficiles à capter. Il faut une longue attente, une énorme concentration, pour saisir l'expression d'un homme qui apprend soudain sa condamnation à une peine de prison.

Cette rencontre entre une émotion violente et moi, je n'ai réussi à l'enregistrer qu'une seule fois. Et ce n'était pas un hasard. Mon geste n'a duré que quelques secondes. Mais je l'ai préparé pendant plusieurs mois. Car il fallait que je sois en embuscade, au bon moment, au bon endroit, avec du bon matériel. Et une embuscade, comme le piano, cela doit se travailler tout le temps."

Biographie

1942
Naissance à Villefranche-sur-Saône (Rhône).

1958
Arrivée à Paris.

1980
Tournage de "Reporter".

1987
Mariage avec Claudine Nougaret.

2000
Exposition "Errance" à la Maison européenne de la photographie.
• ARTICLE PARU DANS L'EDITION DU MONDE DU 08.12.04

http://www.lemonde.fr/web/article/0,1-0@2-3246,36-389961,0.html

A Conversation With Jeff Wall -by David Shapiro

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VINCE LEO

Press Releases > THREE STORIES FROM LITTLE AMERICA - VINCE LEO

frying snap

It is said that in certain parts of New York, on the tops of tall buildings belonging to corporations who transmit data between sites by micro-wave, that roosting birds are sometimes cooked by data. Television signals, computer information, text or graphics. Photographs perhaps? Killed by images.

from: Wombell, P.(ed.). (1991)Photovideo: photography in the age of the computer. London: Rivers Oram Press {p.79}

Michals on portraiture

I AM MUCH NICER THAN MY FACE AND OTHER THOUGHTS ABOUT PORTRAITURE

We spend our entire lives looking into mirrors believing the illusions reflected there and comforted by the reality of appearances. Unfortunately, people are seldom what they appear to be, and what is seen is what we expect to see. We look for reassurance not revelation. We do not know.

I knew my mother and father my entire lifetime and not once did they ever reveal themselves to me. To whom have you revealed yourself? Who shares your secrets? What do you know about yourself to tell? Who is reading this now?

For those being photographed, portraiture is essentially about vanity. We want to be told that we are in some way attractive, almost desirable, still young and of value. Anything less is disturbing. We hope for flattery. And all the time we are looking for the wrong thing. We should want clues to our own truth.

High style photographers tend to take the same portrait over and over again. It is essentially the same picture, only the face has been changed to protect the innocent. Each person should be a different solution. The photographer should approach each sitting as if he had never taken a portrait before. He should be surprised by what he has done.

Some photographers can be very presumptuous in their self delusions about “capturing” another person with their cameras. I know of one who actually believes that he reveals the soul of his sitters with his photographs of them. What you see is what there is. It is also nonsense to reduce people to just their costumes, mere social, racial, and sexual clichés. That is looking at people with the pretentions of looking into them. We never see anyone at all.

My portraits in this book have revealed nothing profound about the subjects or captured anything. They were almost all strangers to me. How could I say anything about them when I never knew them. What I did was to share a moment with them, and now I share that moment with you, no more no less.

I always look mean when photographed, yet I am much nicer than my face. I am not just this chin, these wrinkles, this nose. Do not be deceived by my face.

Bizarre looking people are very easy to photograph. All the photographer does is simply record what they bring to him. The more peculiar looking they are, the easier the job is. We all love to slow down and look at accidents on the freeway. Celebrities are the easiest of all to photograph. There is no such thing as a bad celebrity portrait. Even a bad picture is a good one. Essentially these portraits tend to be a kind of P.R. photo, puff muzak photography that is a form of celebrity packaging. One must never confuse the profound with the clever.

When someone says, “what a beautiful photograph”, upon viewing a portrait of a handsome man, what they are really saying is “what a handsome man”. Most often it is an ordinary photograph of a beautiful person. If the photograph were of an ugly person, would it then be an ugly photograph?

I prefer to photograph people in their environments. I hate studios. The things that people choose to spend their lives with gives us clues to whom they are more than their hairlines.

One day, when we have forgotten our names, the only proof that we were ever here may be hose old portraits some where in dusty albums.

As I age, while I still have time, I yearn to know now, more than ever, my true self, that random and illusive thing, decorated with personality. We believe ourselves to be this kaleidoscope of passions and distractions. We are a brilliant and unknown moment, suspended between memory and anticipation, anxious in our uncertainties, and doomed to fade with our consciousness. How can such a mystery be photographed? What is left for us but amazement?

Duane Michals

from: Michals, D. (1988). Album: the portraits of Duane Michals 1958-1988. Pasadena: Twelvetrees Press.